Anstatt zur E-Gitarre zu greifen blieb McGee also bei der guten alten Akustikgitarre und ihrem “Hobopop“, wie sie die oben erwähnte Mischung aus Folk, Jazz und Americana nennt. ’Contraband’ ist wie ein Küken – so zart und zerbrechlich, das man es am liebsten in seinen Händen halten und gegen die raue Welt abschirmen möchte. Mit einer Stimme, die bestimmt und fragil zugleich ist, erzählt McGee von Liebe und Verlust. ”I may seem to crumble like the sand/but like grass I break and I cut/and the thousand pieces of my heart/that were all trodden down in the dirt/they may rise up like a bird in flight/but they never can shake this hurt“ heißt es etwa in “What Love Entails”, einem der hübschesten Lieder, das sich, wie auch die anderen Titel, an Bildern aus der Natur bedient.

Trotz des Folk-Unterbaus haben die Songs noch so viel Abwechslung, dass das Album nicht langweilig wird. “Setting of the Sun“ ist ein knarziger Jazzsong, der an Tom Waits erinnert, während Joe Henry bei „All Things Must Change“ Pate gestanden haben könnte. Besonders erwähnenswert sind auch das poppige “Something Going On“, das mandolinenverstärkte “Sequins“ und das dunkle „God Loves the Sparrowherder“.

’Contraband’ ist ein leises, nachdenkliches Album, dem man anhört, dass es aus Schmerz geboren wurde. Dennoch ist es nie deprimierend, sondern eher tröstlich und einfach wunderschön.
[Danica Pieper]

Dieses wurde an einem einzelnen Wochenende an einer Grundschule aufgenommen und erscheint beim shoegazeaffinen Label Sonic Cathedral. Der Einfluss britischer und schottischer Songwriter wie Nick Drake oder Bert Jansch ist auch auf ‚Palindrome Hunches’ allgegenwärtig. Insbesondere die verspielten Gitarrenpickings, entlang derer Halstead die 26 ihm zur Verfügung stehenden Buchstaben in den schönsten Kombinationen wie an einer Wäscheleine aushängt, wahren diese Tradition. Bedroom-Folk möchte man diese verträumte Musik, die uns seit des Debüts ‚Sleeping On Roads’ so an´s Herz gewachsen ist, nennen. ‘Wittgenstein’s Arm’ heißt das Glanzstück dieser Platte. Es handelt nicht von Ludwig Wittgenstein, sondern erzählt die traurige Geschichte seines Bruders Paul Wittgenstein, der im ersten Weltkrieg einen Arm verlor und sich daraufhin trotz aller Hindernisse mit voller Hingabe versuchte sich als Pianist durchzusetzen. “Digging Shelters”, “Full moon rising” und der Versuch eines musikalischen Palindroms ‚Palindrome Hunches’ wären weitere Musterbeispiele der Wärme und Melancholie, die dieses Album an allen Ecken prägt.

Mit einem Herz aus Gold und doch tief im britischen Folk verwurzelt, liefert Halstead ein weiteres Meisterstück seiner Karriere ab. Und auch wenn er gerade irgendwo im weit entfernten Cornwall Rasen mäht oder sich die Zähne putzt, auf ‚Palindrome Hunches’ überbrückt er mit seiner wohlig weichen Stimme ein weiteres mal die Entfernung zum Hörer, rückt so nahe wie nur möglich an uns heran und macht all den Wahnsinn ein ordentliches Stück erträglicher.
[Sebastian Jegorow]

Wer sich mit dem Oevre von Don Delillo und David Cronenberg beschäftigt, merkt recht schnell, dass die beiden Künstler offensichtlich Brüder im Geiste sind. Beide liefern seit 40 Jahren konstant wichtige Werke ab, die eine einzigartige Aura umgibt, und beide haben sich mehrmals als Propheten bewiesen. Don Delillo beschäftigte sich bereits in den 80ern mit dem Terrorismus und der Frage nach der Rolle der Literatur in einer Welt des medialen Overkills und Terrors. Cronenberg griff ein ähnliches Thema in Filmen wie ‘Videodrome’ auf. Mit der Cronenberg-Verfilmung des 2003 veröffentlichten ‘Cosmopolis’ kommt es zum ersten mal zu einer Kollaboration der Beiden.

In vielerlei Hinsicht nimmt Delillo in seiner 2003 veröffentlichten Romanvorlage den Literaturklassiker Mrs. Dalloway zugrunde und verfrachtet die Geschichte in die gegenwärtige Welt. Die Hauptfigur ist nicht Clarissa Dalloway, die Blumen für eine Party holen möchte, sondern der Vermögensverwalter Eric Parker, der sich in seiner Stretch-Limousine auf dem Weg zum Friseur macht. ‘Cosmopolis’ fokussiert einen Tag im Leben des Millionärs, der im Schrittempo durch die Stadt gleitet, während außerhalb seines Mikrouniversums der gegenwärtige Wahnsinn herrscht. Der Präsident ist in der Stadt, die Occupy Bewegung kratzt nicht nur an Parkers Fensterscheibe, die Finanzmärkte brechen zusammen wie zu hoch gebaute Kartenhäuser und ein Trauerzug um einen toten Musiker lähmt die Stadt. Ähnlich wie Virginia Woolfs Roman, entwickelt die Geschichte um Eric Parker ihren Charme erst beim genauen hinsehen. Dann erst entdeckt man den grotesken Humor, die kleinen Glanzmomente und die interessanten Dialoge, die in diesen minimalistischen Rahmen gestopft wurden.

David Cronenbergs Verfilmung hält sich recht nahe an der Romanvorlage und trifft den Kern. Robert Pattinson, der Eric Parker verkörpert, tut was er am besten kann und ist mit seinem ausdruckslosen Gesicht die perfekte Besetzung. Einen ähnlich guten Eindruck machen ebenfalls Juilette Binoche und Samantha Morton. Cronenberg hat den bekannten Bodyhorror seiner früheren Tage bereits bei Filmen wie ‘Die gefährliche Begierde’ hinter sich gelassen und auf die Psyche oder Teile der Gesellschaft ausgeweitet. In ‘Cosmopolis’ knüpft er sich den Kapitalismus und seine Entartung vor. Die neu erschienene DVD und Blu-Ray bietet zusätzlich zum Film unzählige Interviews, in denen insbesondere Robert Pattinson und David Cronenberg im Mittelpunkt stehen. Ergänzend sollte man sich das Feature zur Premiere des Films in Berlin anschauen.

Die Zusammenführung der beiden Großmeister ist auf ganzer Linie gelungen. Wer sich auf Cronenbergs Fassung von ‘Cosmopolis’ einläßt, wird mit vielen offenen Fragen belohnt. Manche sind harmlos wie die nach der ‘asymmetrischen Prostata’, manch andere beunruhigender als die Transformationen in seinen Horrorfilmen.
[Sebastian Jegorow]

Annes Krankheit beginnt mit ihrem katatonischen Anfall während des Frühstücks. Ein tragisches Ereignis, das dennoch zu einem prägenden Filmmoment führt, als Georges versucht, sie aus dem tranceähnlichen Zustand zu erwecken, während er ihr Gesicht mit beiden Händen umklammert und auf sie einredet. Das ist der Startschuss zum Leidensweg. Anne erleidet einen Schlaganfall, muss eine erfolglose Operation über sich ergehen lassen und kommt halb gelähmt im Rollstuhl wieder nach Hause. Pflegerinnen kommen und gehen, Georges versucht die Situation alleine zu bewältigen, die beiden isolieren sich zunehmend von der Außenwelt, doch er möchte sie um nichts in der Welt ins Krankenhaus abliefern, sondern bis zum Ende an ihrer Seite bleiben. Liebe bis zum bitteren Ende und auch darüber hinaus.
Was nach einem weinerlichen RTL-Fernseh-Drama für ewig schniefende Taschentuch-Hausfrauen klingt, distanziert sich jedoch von einer solchen trivialen Zielsetzung. Haneke analysiert vor allem den Umgang mit der Krankheit, blickt also auf Georges, der sich in Tagträume flüchtet, in die Erinnerung an alte Zeiten und an Halluzinationen, alles sei wieder (bzw. immer noch) in bester Ordnung.

Doch Anne verliert zunehmend die Kontrolle über ihren Körper und Geist, die Kommunikation wird schwieriger, bruchstückhafter. Ihr Mann nimmt das alles tapfer hin bis zum schockierenden Höhepunkt, den man nicht verraten darf, in dem Hanekes Handschrift auch diesmal spürbar wird, weil er plötzlich provoziert und wichtige Fragen stellt. Das erwartet man schließlich auch von ihm, wo er sich bis dahin lediglich in leisen Schritten dem Martyrium des Leidens und des langsamen Verfalls nähert.
[Andreas Saeger]

Weitere Filmbeiträge von Andreas befinden sich in seinem Blog.

Es ist wohl wenig überraschend, dass Dark Dark Dark ihrem Namen noch nie so viel Ehre gemacht haben wie bei den zehn Songs von ’Who Needs Who’. Das ganze Album ist von einer tiefen Traurigkeit erfüllt, die jedoch nie in Bitterkeit übergeht. Stattdessen nimmt Invie die verschiedenen Gefühle, die eine Trennung mit sich bringt, unter die Lupe. “Tell Me“ beispielsweise behandelt das Vermissen und die Sehnsucht nach Vergangenem: I want to live in the time when you cherished me. Oh, to go back to the place, when you hands moved over me. Tell me it’s there, just beyond me. Tell me you’re saving it for me. In “Patsy Cline” hingegen überwiegt die Einsicht, dass die geschmiedeten Pläne sich nach dem Auseinandergehen in Luft aufgelöst haben: And I thought we’d meet up in a week or two and we’d slow-dance to Patsy Cline at the bar, but now that you’re gone, my life goes on. In “How It Went Down” wiederum geht es darum, wie sich der Umgang miteinander verändert hat: I am young and you are young and we grow. Now you are young and it feels like I’ve grown old. So take your time, my feeling ’round you can be so cold. Take your time, I’ll see you somewhere when seasons unfold.

Dark Dark Dark gehören sicherlich zu den hörenswertesten Bands, die gemeinhin im New Weird America/Freak Folk-Genre angesiedelt werden, wobei sie auf ’Who Needs Who’ weniger “schräg“ klingen als auf ihren anderen Alben. Die Scheibe fußt auf dem sanften, melancholischen Klang des Klaviers, bietet aber immer noch so viele andere interessante Ideen, dass sie nie langweilig wird. Am Ende des Titeltracks etwa zieht das Tempo plötzlich an und die Bläser übernehmen das Kommando, bevor die Musik wieder in die schwermütige Ausgangsstimmung zurückfällt. “Hear Me“ ist eine Soundcollage aus Chorgesang, Trompete, dunklem Schlagzeug und widerhallenden Gitarreneffekten, die fast ohne Text auskommt; das wummernde “Without You“ erhält durch das Akkordeon Chansonflair.

Als Hörer kann man sich kaum vorstellen, wie es für die Invie und LaCount gewesen sein muss, dieses Album aufzunehmen. Man kann ihnen nur dankbar sein, dass sie es getan haben. ’Who Needs Who’ ist ein tief berührendes Werk voll wunderschöner Musik, die trotz des Schmerzes auch immer etwas Tröstendes hat. I will never get tired of singing you songs.
[Danica Pieper]

Ähnlich wie bereits beim Vorgänger, so steht auch auf ‘Lovestar’ der Song im Mittelpunkt. Das technoide Bollwerk, das sein Debüt Redeemer so mechanisch und sperrig wirken ließ, wird auf ‘Lovestar’ endgültig durchbrochen und macht einem elektronischen Sound platz, der die Songstrukturen weiter in den Vordergrund rückt und die Stücke dadurch wärmer wirken lässt. Ein gutes Beispiel hierfür ist der Titeltrack, der als perfekte Synthie-Ballade durchgeht. Auch Roboter haben also Gefühle. Die große Referenz sind auch diesmal wieder Martin Gore und Depeche Mode. Dabei orientiert er sich nicht unbedingt an dem schmutzig lüsternen Lack-und-Leder Rock der “Songs Of Faith And Devotion” Phase, Songs wie ‘The Second Best’ schmiegen sich da schon eher an die letzten Werken der Band aus Essex.

Bei all dem Tristesse- und Melancholie-Genuddel schafft er es den Hörer immer mal wieder mit interessanten Brüchen und Midtempo-Passagen an sich zu fesseln. Das handwerkliche Können kann man dem Musikdozenten nicht absprechen. So vertritt er gekonnt die elektronischen Tugenden und lässt die Platte nur ganz selten in´s Ermüdende abgleiten. Wer Freude an Synthie-Pop hat, sollte dem Underdog aus Ulm also eine Chance geben und den Liebesstern entdecken.
[Sebastian Jegorow]

Das Magazin

Der Sonic Reducer ist ein unabhängiges Kulturmagazin, das im Abstand von drei Monaten im PDF-Format erscheint und zudem über die Internetseite aktuelle Musik, Filme und Literatur vorstellt. Kurzinformationen zu den zuständigen Autoren befinden sich im Impressum der einzelnen Ausgaben

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Als Andy Warhol 1965 auf Lou Reed und John Cale traf und sie daraufhin bei ihren ersten Schritten im Musikbusiness begleitete, hätte er wohl nicht gedacht, dass die neu gegründeten Velvet Underground sich zu den Herzschrittmachern der Rockmusik entwickeln und bis in das 21. Jahrhundert hinein großen Einfluss auf die Kultur haben würden. Brian Eno sagte hierzu einst: “Only five thousand people ever bought a Velvet Underground album, but every single one of them started a band”. Warhol brachte die Band mit Nico zusammen, gab ihrer Musik im Rahmen der ‘Exploding Plastic Inevitable’ Multimedia-Events ein Zuhause und wurde ihr Manager. Das Ergebnis war ein Kunstprodukt, das selbst die größten Kunstprodukte unserer Popkultur erschuf.

Passend zum Titel ‘Peel Slowly’ beginnt die Enthüllung der Band auf ihrem Debütalbum mit dem verträumten Song ‘Sunday Morning’, der ursprünglich von Nico gesungen wurde. Bei den Aufnahmen setzte sich Lou Reeds markante Stimme jedoch durch. Mit ‘I´m Waiting For My Man” nimmt die Band beim zweiten Track Tempo auf. Der Song, der in den nachfolgenden Jahrzehnten zur Hymne zahlreicher einsamer Mädchen werden sollte, handelt eigentlich vom warten auf den Drogendealer auf den Straßen von New York. Insbesondere hier und in ‘Run, Run, Run’ klingt nicht nur im Text der Einfluss der Stadt New York City durch. Der Lärm, der rauhe Unterton, die Schönheit, die Bewegung; all die Elemente, die später von Bands wie Sonic Youth weitergetrieben wurden, werden auf diesem Album zu einem identitätsstiftenden Element der Band. Sophisticated Rock trifft all dies wohl ebenso gut wie die Nennung der Heimatstadt New York City. Das Album fällt mit zahlreichen Tempowechseln überaus abwechslungsreich aus. Es wurde 1967, als flaches Konservengedudel der Monkees die Charts beherrschte, jedoch fast völlig übersehen. Und der Gast? Nico übernimmt in einigen Songs die Lead Vocals und verleiht Songs wie ‘Femme Fatale’, ‘All Tomorrow’s Parties’ und insbesondere ‘I´ll Be Your Mirror’ ihren eigentümlichen Ton.

Der Re-Release zum 45. Jubiläum wird einer schlichten Deluxe Edition und einem Super Deluxe Package angeboten. Die 2 CD Deluxe Edition beinhaltet den Klassiker im bereits bekannten Stereo Mix, mit einem interessanten Booklet und zahlreiche Bonus Tracks. Zu den Highlights zählen insbesondere die verschiedenen Versionen von ‘All Tomorrow’s Parties’ und die Aufnahme des Songs ‘There She Goes Again’ aus dem berühmten The Factory Proberaum. Die Super Deluxe Edition ist ein Rundumsorglos-Paket, das sich über 6 CDs und ein erstreckt. Selbst an die hinzunahme des Nico-Debüts ‘Chelsea Girl’ hat man hierbei gedacht. Fans der Band und junge Musikliebhaber, die eine Lehrstunde in Sachen Rockgeschichte nehmen möchten, können hier blind zugreifen.
[Sebastian Jegorow]

Auch ihr neuestes Album ‘Deer Creek Canyon’ ist für Country- und Folk-Liebhaber ein emotionales Festmahl. Die zwölf Stücke hat Sera Cahoone bereits im vergangenen Jahr auf kleinen Festivals wie dem Doe Bay Music Festival vorgestellt und kurze Zeit später in den Bear Creek Studios in Woodinville, Washington aufgenommen. Und ach, was soll man hier schon über das Album schreiben. Es ist verdammt gut und es schließt nahtlos an den gemütlichen Countryfolk von ‘Only As The Day Is Long’ an. Wer von Sera Cahoone eine Neuerfindung ihres Sounds erwartet hat, macht sich zum Löffel. Wozu zum Teufel etwas derart Gutes ändern?

Im Rahmen der zwölf neuen Songs trabt sie wieder in Begleitung ihrer Band gemütlich vor sich hin. Hin und wieder zieht sie das Tempo an und läßt sich von der Spielfreude ihrer Begleitband leiten und manchmal läßt sie alle hinter sich und spielt sanft und leise, als würde sie damit im Wald die Rehe nicht verschrecken wollen. Mehr als einmal entlockt sie dem Hörer ein Hach, wie toll. Beispielsweise, wenn Sie in ‘Shakin’ Hands’ die Zeilen My friends are all here having a good time, but I just want to get lost in you for days anstimmt. Insbesondere mit den Höhepunkten ‘Worry All Your Life’ und ‘Naked’ gibt es hier Songs, die mit ihren frühen Großtaten wie dem ‘Hotel Song’ ‘You Might As Well’ oder ‘Baker Lake’ in einer Liga spielen können.

Unaufgeregt, subtil, schön.
[Sebastian Jegorow]